Den Songtext überarbeiten

In unseren letzten Folgen habt ihr jede Menge Techniken zum Schreiben des ersten Entwurfs kennengelernt. Außerdem wisst ihr, wie ihr den Text rhythmisch richtig verteilt, wie ihr eure Reime verbessern könnt und wie ihr eurem Text mehr Intensität verleihen könnt, indem ihr unsere NLP-Techniken anwendet.

In dieser Folge soll es nun um die Überarbeitung gehen. Wir geben euch jede Menge Fragen, die ihr euch bezüglich eures Songtexts stellen, und ihn damit verbessern könnt. Diese Fragen haben wir in vier Kategorien geteilt: Struktur, Rhythmus, Inhalt und Gesamtbild. Außerdem erfahrt ihr, wann genau euer Text fertig ist und ihr den Stift beiseite legen könnt.

Struktur

Wie ist der Song aufgebaut?

Spätestens nach eurem ersten Entwurf sollte klar sein, in welcher Reihenfolge die Songabschnitte kommen. Außerdem wisst ihr nun, wie lang eure Strophen und euer Refrain genau sind. Wenn ihr euren Text in der X-Dot-Methode, wie in der ersten Folge erklärt, geschrieben habt, müsst ihr nur die Zeilen zählen, um zu wissen, wie viele Takte jeder Abschnitt lang ist. Ein Beispiel für einen Songablauf wäre:

Überprüft hier, ob der Songaufbau konsistent ist. Sind alle Strophen gleich lang? Sind die Zeilen der Strophen ähnlich gefüllt, so dass sie ähnlich gesungen werden können?

Kann ich die Spannung durch den Aufbau steigern?

Manchmal steckt man so tief im Texten, dass man den Überblick für die Gesamtwirkung des Songs verliert. Darum fragt euch nun auch: Wird mein Text besser, wenn ich Teile weglasse, hinzufüge oder tausche? Macht es neugieriger, spannender oder Lust auf mehr?

Beispielsweise könnte der Songaufbau von oben spannender werden, wenn zwischen Intro und Strophe 1 noch kein Refrain kommt. Dann könnte sich die Spannung in der ersten Strophe langsam steigern. Es kann aber durchaus sein, dass der Song mit diesem ersten Refrain eingängiger wirkt als ohne. Probiert es aus!

Wie wirken die Songabschnitte miteinander?

Wenn ihr den Refrain einzeln schreibt, kann es sein, dass später im gesamten Song beispielsweise Wortwiederholungen auftreten, wenn der Refrain nun nach der dritten Strophe kommt. Überprüft also unbedingt noch einmal, wie die Songabschnitte in der richtigen Reihenfolge wirken.

Außerdem kann es passieren, dass sich Songabschnitte dann überlagern.Wenn eure Strophe in der letzten Zeile den gesamten Takt ausreizt, euer Refrain aber einige Silben vor dem Grundschlag Eins des nächsten Taktes beginnt, bekommt ihr ein Problem. Dort könntet ihr einen Fülltakt als Pause einbauen und den unter „Spannungssteigerung“ verbuchen, aber nur, wenn die Musik noch veränderbar ist. Andernfalls müsst ihr euren Text notgedrungen anpassen, so dass die Überschneidung nicht mehr auftritt.

Passen die Reime so?

Aus unserer zweiten Folge kennt ihr die Kriterien für saubere und unsaubere Reime. Außerdem sind Doppelreime in Songs meist eingängiger, als kurze Reime.

Fragt euch deshalb bei der Überarbeitung, ob ihr in allen reimenden Zeilen die Reime geschrieben habt, oder vielleicht noch Reime fehlen. Vielleicht wirken einige Reime auch wie Zweckreime, also stehen nur da, damit sich überhaupt etwas reimt. Solche Reime erkennt der Hörer intuitiv, den sie unterbrechen den roten Faden. Überarbeitet solche Reime! Vielleicht findet ihr einen besseren Reim, beispielsweise mit einem Reimlexikon. Andernfalls müsst ihr die Partnerzeile umformulieren, so dass ein neues Wort am Ende steht. Solches Umformulieren ist manchmal ziemlich nervig, lohnt sich aber im Gesamtbild des Songs unglaublich, denn mit dem flüssigen roten Faden steht und fällt ein guter Song.

Rhythmus

4 Grundschläge pro Zeile?

Wenn ihr euren Songtext nach der X-Dot-Methode geschrieben habt, sollte jede Zeile einem Takt entsprechen. Ob ihr das wirklich konsequent umgesetzt habt, könnt ihr herausfinden, indem ihr in jeder Zeile die Punkte und Xe zusammenzählt. Wenn das immer vier sind, dann kann euer Rhythmus wahrscheinlich so funktionieren. Sollten es einmal nicht vier sein, dann versucht, langsam mitzuklopfen und sprecht die Zeile noch einmal auf den Rhythmus – so, dass ihr ihn richtig nachvollziehen und aufschreiben könnt.

Klingt der Rhythmus natürlich?

In der ersten Folge haben wir euch außerdem erklärt, dass im Normalfall maximal vier Silben in einen Grundschlag passen. Überprüft, indem ihr den Text rhythmisch mitsprecht, ob die Silbenverteilung funktioniert. Hört euch an, ob sich der Sprechrhythmus natürlich anhört, so wie ihr ihn aufgeschrieben habt. Wenn etwas komisch klingt, überprüft, ob ihr die betonten Silben der Worte auf die Grundschläge gesetzt habt und korrigiert eventuell.

Passt der Rhythmus zum Tempo?

Das Tempo bleibt in den meisten Songs konstant. In einem schnellen Tempo könnt ihr insgesamt nur weniger Silben in einen Takt packen, als in einem langsamen Tempo. Überprüft deshalb eure Textverteilung, indem ihr den Songtext im Originaltempo mitsprecht. Wenn es Stellen gibt, die zu schnell oder zu langsam klingen, solltet ihr sie verändern.

Passen die Reime rhythmisch?

Reime stehen im Normalfall in zwei Zeilen an der gleichen Stelle im Takt. Sollte das nicht der Fall sein, sollte die Position des Reims zu einem Grundschlag die Gleiche sein, wie in der Partnerzeile. Das könnt ihr ebenfalls mit der X-Dot-Methode einfach überprüfen.

In der zweiten Folge „3, 2, 1… reimt’s?“ hatten wir einige Beispiele zur Position des Reims gezeigt.

Wo gibt es Pausen?

Pausen sind eins der wichtigsten Stilmittel in der Musik. Pausen erzeugen Spannung und Momente zum Hinhören. Außerdem kann der Artist an dieser Stelle bei der Liveperformance Luft holen.

Deshalb solltet ihr in eurem Songtext darauf achten, dass es genug Pausen gibt. Sowohl kleine Pausen in den Takten, an denen die Sätze inhaltlich getrennt werden können, als auch Pausen zwischen den Songbestandteilen, in denen sich der Hörer nur auf die Musik konzentrieren kann.

Bei der Überarbeitung könnt ihr unnötige Inhalte beispielsweise mit Pausen ersetzen. Manchmal wirkt weniger eben doch mehr.

Inhalt

Sage ich irgendwo zu viel oder zu wenig?

In unserer fünften Folge „Dein Lieblingssong – für 7 Mrd. Menschen“ hatten wir euch unter anderem das Meta- und Milton-Modell vorgestellt. Diese waren hilfreich, um eure Szenen und Bilder konkreter, bzw. vager zu beschreiben.

Überprüft euren Songtext, indem ihr die Perspektive vom Produzenten zum Konsumenten verschiebt, ob eure Bilder und Szenen nachvollziehbar sind, oder ob sie an Intensität gewinnen würden, wenn ihr Details weglasst oder hinzufügt. Nutzt das Meta- und Miltonmodell, um diese Passagen anzupassen.

Werden Bilder assoziiert?

Ein guter Songtext lässt Bilder in den Gedanken des Hörers entstehen. Versucht, aus dem Perspektivenwechsel heraus zu beurteilen, ob der Song bei euch Erinnerungen und Bilder assoziiert. Müssten diese Bilder noch genauer beschrieben werden?

Außerdem könnt ihr Freunde bitten, den Songtext zu lesen. Lasst sie hierbei allein und gebt ihnen genügend Zeit dafür. Fragt sie anschließend, ob sie der Text persönlich anspricht und ob sie irgendwelche Erinnerungen mit dem Text in Verbindung gebracht haben. Solche Gespräche geben wichtiges Feedback zu eurem Songtext.

Bleibt mein Faden rot?

Euer Songtext soll wie aus einem Guss sein. Ein starker roter Faden ist eines der Hauptqualitätsmerkmale in Songtexten. Deshalb fragt euch, ob der Ablauf der beschriebenen Bilder und Szenen für euren Hörer logisch ist. Sind die Bilder zueinander konsistent? Wie gehen diese Bilder ineinander über? Auch hier lohnt es sich, Freunde zu fragen, ob sie den Inhalt verstehen können.

Wenn ihr euch nicht sicher seid, ist das häufig schon ein Zeichen, dass der Zusammenhang nicht stark genug ist. Dann verändert Bilder, tauscht sie aus, oder nehmt ein Bild aus eurem Text heraus und geht dafür auf ein anderes genauer ein.

Solchen Problemen könnt ihr aus dem Weg gehen, wenn ihr euren ersten Entwurf bereits am Stück geschrieben habt und dort bereits alle notwendigen Bilder vorkommen. Das erreicht ihr, indem ihr mit der richtigen Einstellung in Trance schreibt, so, wie wir es in der dritten Folge „Fließbandtexten“ beschrieben haben.

Spreche ich alle an?

Aus unserer fünften Folge kennt ihr die Repräsentationssysteme. Für uns persönlich ist das häufige Springen zwischen den Sinnen ein wichtiges Qualitätsmerkmal für Songtexte. Überprüft, indem ihr die visuellen, auditiven und kinästhetischen Wörter bunt markiert, ob ihr diese drei Repräsentationssysteme ausreichend bedient.

Es lohnt sich, „leere“, also unbunte Zeilen zu überarbeiten und mit Sinnen anzureichern, damit wird jede Zeile realer. Ihr könnt Listen anlegen mit NLP-Wörtern, die zu eurem Thema und Inhalt passen. In solchen leeren Zeilen lässt sich so viel leichter ein Wort ersetzen oder ergänzen.

Verwende ich starke Worte?

Ähnlich verhält es sich mit der Verwendung von Starken Wörtern. Fragt euch wieder aus der Konsumentenperspektive – welche Assoziationen löst das Wortmaterial aus? Könnt ihr Starke Wörter hinzufügen, die noch mehr Gefühle auslösen und den Songtext intensiver machen?

Verwende ich Plattitüden?

Der Vorteil von Plattitüden ist, dass sie dem Hörer bekannt sind, und somit bekannte Assoziationen wecken. Häufig ist der Hörer aber auch gelangweilt von bereits bekannten Wortgruppen und sehnt sich nach kreativem und neuem Input.

Ein schöner Umgang ist deshalb, mit Plattitüden zu spielen. Indem ihr sie leicht verändert, oder in einen neuen Kontext setzt, könnt ihr einen Überraschungseffekt hinzufügen. Dieser macht die langweilige Plattitüde zu einem witzigen und kreativen Erlebnis des Hörers.

Beispielsweise könntet ihr Plattitüden so umformen:

„Wer den Pfennig nicht ehr, ist die Mark nicht wert.“ wird zu:
„Wer den Pfennig nicht ehrt muss nur noch Scheine zählen.“

„auf taube Ohren stoßen“ wird zu:
„auf blinde Augen stoßen“

Behalte ich die Perspektive und Zeitform?

Bleibt ihr konsistent in der Perspektive eures Songs? Wenn ihr in einer Strophe aus der Ich-Perspektive schreibt, ist es eigenartig, wenn die zweite Strophe aus der Wir- oder Du-Perspektive erzählt. Dieser Wechsel kann als Stilmittel durchaus funktionieren, aber keinesfalls unabsichtlich.

Das Gleiche gilt für die Zeitform. Ihr solltet nicht zwischen Vergangenheit und Gegenwart hin- und herspringen, das verwirrt nur. Überprüft euren Song auf die konsistene Zeitform der Verben.

Gesamtbild

Welche Gefühle löst der Song aus?

Es ist schwer, seinen eigenen Song objektiv zu beurteilen. Deshalb ist das direkte Feedback von Freunden oder Testlesern wichtig bei der Songentstehung. Mit ihrer Hilfe könnt ihr herausfinden, ob euer Song die Gefühle auslöst, die er auslösen soll. Überprüft, ob diese Gefühle zu eurem Thema passen.

Fall nicht, könnt ihr einen neuen Inhalt zu eurem Thema generieren, der das Gefühl vielleicht besser transportiert. Wie das geht, habt ihr in der vierten Folge „Wie Bilder Worte werden“ gelernt.

Fragt euch außerdem, ob euch der Text persönlich mitreißt. Wenn nicht, warum nicht? Was könnte den Text spannender machen?

Passt mein Text zur Musik?

Text und Musik werden einzeln geschrieben, sollen sich aber optimal ineinander einfügen. Das ist ein schwieriges Problem bei der Songentstehung. Hinterfragt das für euch und bei Freunden, ob die Gefühle, die Text und Musik auslösen, optimal zueinander passen. Funktioniert der Sprechrhythmus mit dem Rhythmus in der Musik? Hilft die Musik dabei, die verwendeten Bilder entstehen zu lassen?

Im Zweifelsfall könnt ihr den Song auch erst fertig recorden und produzieren lassen, dann wird endgültig deutlich, ob beides zusammenpasst. Vielleicht ist euer Text ja gut, obwohl er nicht zur Musik passt. In diesem Fall könnt ihr ihn vielleicht später noch einmal verwenden, aber müsst für den aktuellen Song einen neuen Text schreiben. Schwamm drüber, das passiert auch den Profis!

Klingt der Text flüssig?

Zum Klangbild des Songs trägt der Text enorm viel bei. Es ist nicht nur der Inhalt der Wörter, der daran seinen Anteil hat, sondern auch, wie die Wörter ausgesprochen klingen. Die Phonetik im Englischen ist beispielsweise flüssiger als im Deutschen. Dennoch findet man auch für deutsche Texte wunderschön flüssig klingende Worte.

Besonders im Refrain solltet ihr darauf achten, dass euch beispielsweise eine Reihe hart klingender Konsonanten nicht das zarte Klangbild eures Lovesongs kaputt macht.

Wird die Aussage deutlich?

Manchmal entstehen unglaublich tolle Metaphern und Songinhalte, in die man sich als Songwriter so verliebt, dass man dabei bleibt. Schade ist nur, wenn die Metapher so schwierig ist, dass der Hörer sie nicht versteht. Wenn das Thema und das richtige Gefühl nicht wahrgenommen werden kann, verliert der ganze Songtext seinen Sinn.

Deshalb fragt euch, ob die Kernaussage nach 2-3 Mal hören zu verstehen ist. Denkt daran, dass der Hörer andere Assoziationen haben wird, als ihr sie bei der Metapher hattet. Wenn euer Inhalt zu schwer zu verstehen ist, dann solltet ihr ihn überarbeiten. Keep it simple.

Passt der Text zum Interpreten?

Egal, ob ihr den Song selbst singt, oder für einen anderen Interpreten geschrieben habt, der Song sollte zur Person passen. Jeder Interpret hat ein Image, eine Stimme und Themen, die er bisher in Songs behandelt hat. Dort soll sich euer Song einfügen. Er sollte das Gesamtbild bestärken, statt den Interpreten von Grund auf neu zu erfinden.

Alles andere würde der Authentizität des Interpreten schaden. Doch die Hörer wollen ihn „kennen“, wollen sich mit ihm identifizieren und seinen Aussagen vertrauen.

Das heißt nicht, dass ihr nicht experimentieren könnt. Nur sollten diese Experimente besser am Horizont des Interpreten stattfinden.

Gefällt dem Interpreten der Text?

Zusätzlich ist wichtig, ob sich der Interpret selbst mit dem Text identifizieren kann. Nur dann kann er oder sie den Text authentisch singen. Vielleicht braucht der Interpret auch ein wenig Zeit, um den Text selbst zu verinnerlichen. Ihr als Writer habt euch stundenlang mit dem Thema auseinandergesetzt, deshalb gebt dem Interpreten auch die Zeit, sich in den Text einzufühlen oder erklärt ihm den Text.

Wann ist mein Text fertig?

Diese Frage ist die Wichtigste der gesamten Überarbeitung. Die Antwort darauf findet ihr, wenn ihr mindestens zwei dieser drei Fragen mit „ja“ beantworten könnt:

1. Bin ich selbst mit dem Text zufrieden?
2. Habe ich alle gesagt, was ich zu diesem Thema sagen will?
3. Sagt mein Bauchgefühl, dass der Text fertig ist?

Wenn mindestens zwei Antworten „ja“ sind, dann könnt ihr den Stift weglegen. Herzlichen Glückwunsch zum fertigen Song!

Übung: Nehmt euch einen bestehenden Text her, beispielsweise aus unseren letzten Übungen, und wendet die Fragen dieser Folge auf euren Text an. Schleift so lange an eurem Text, bis ihr glaubt, dass er fertig ist.

Einreißen, Neubauen

Manchmal kann man wochenlang an einem Text arbeiten und er wird einfach nicht zufriedenstellend. Solche Situationen können frustrierend sein. Vielleicht hat man selbst noch nicht die richtige Einstellung zum Thema gefunden, der Inhalt will sich nicht richtig entfalten oder man bleibt bei Formulierungen hängen.

In diesen Fällen greift eine der wichtigsten Lektionen, die wir in unseren Songwritererfahrungen gelernt haben: Einreißen, Neubauen.

Das heißt: Alles bisher dazu Geschriebene muss weg, damit ihr von Grund auf neu anfangen könnt. Das ist eine schwierige Aufgabe, da zu diesem Zeitpunkt schon viel Arbeit und Zeit in dem Text steckt. Aber das Trennen ist wichtig, damit etwas neues und besseres entstehen kann.

Deshalb räumt euren Text weit weg, in einen Ordner im Schrank im Nachbarzimmer und beginn von Null auf neu.

Vielleicht habt ihr noch einzelne Zeilen im Kopf, die sich später wieder aufgreifen lassen, aber zuerst muss der Abstand zum alten Text her, damit es Raum gibt für neue Ideen. Auch mal eine Nacht darüber schlafen kann eine völlig neue Perspektive eröffnen.

Diese Methode funktioniert auch mit einzelnen Songabschnitten. Wenn beispielsweise euer Refrain einfach nicht catchy genug wird, dann lasst ihn verschwinden!

Macht nach dem Einreißen am besten die Übungen aus der dritten Folge – Erden, Visualisieren und Freie Assoziation – und beginnt dann ruhig und entspannt mit dem Neubauen. Ich habe selten erlebt, dass ein nächster Versuch schlechter wurde, als der Vorherige. Und wenn doch, dann kann das Einreißen und Neubauen jederzeit wiederholt werden. Ein befreiendes und erleichterndes Gefühl!

Damit ist unsere Serie beendet. Wir hatte riesig viel Spaß dabei, die Lektionen vorzubereiten, die Videos zu drehen und den Blog zu schreiben. Es war auch viel Arbeit, die sich aber hoffentlich gelohnt hat. Deshalb würden wir uns freuen, wenn ihr uns helft, diese Serie bekannter zu machen. Wenn ihr also Freunde habt, die auch schon immer mal einen Songtext schreiben wollten, dann schickt ihnen doch mal diesen Link:

http://www.paul-marx-media.de/songtexten/

Außerdem könnt ihr uns, wenn wir euch wirklich beim Schreiben helfen konnten und ihr Freude an unserem Projekt hattet, gern mit einer kleinen Spende unterstützen, um Projekte wie dieses auch in der Zukunft zu ermöglichen. Den Link dazu findet ihr rechts unten auf dieser Seite.

Aber jetzt – ran ans Papier und schreibt euren nächsten Songtext! Ihr könnt mir eure Ergebnisse gern an paul.marx.media@gmail.com schicken, ich schaue gern mal drüber.

Wir wünschen euch alles Gute beim Schreiben eurer Songtexte und wir hoffen, irgendwann von euch zu hören!

Neurolinguistische Programmierung

Eines der wichtigsten Ziele beim Songwriting ist, dass ein völlig fremder Hörer den Song beim ersten Hören verstehen kann und sich persönlich angesprochen fühlt. Wenn er Gefühle mit dem Song verbinden kann, entsteht ein viel tieferer Bezug zu eurer Musik. Und wir geben euch in dieser Folge die Mittel, diese Verbindung durch euren Text herzustellen. So, dass jeder Mensch, der die Sprache des Songs versteht, sich persönlich angesprochen fühlt.

Anfang der 1970er Jahre entwickelten Richard Bandler (Mathematiker und Psychologe) und John Grinder (Linguist) das Neuro-Linguistische Programmieren – kurz NLP. Hierbei geht es um Handlungsanweisungen (Programme) für Modelle der neurologischen Vorgänge (Neuro-) beim Sprechen (Linguistik).

Die beiden Forscher modellierten damals die Kommunikation sehr erfolgreicher Therapeuten mit ihren Klienten, besonders ihre Sprache und Körpersprache. Dabei entstand eine Sammlung von Kommunikationsmodellen, die inzwischen immer populärer werden und vielen Menschen helfen, besser zu kommunizieren. Wir haben uns einige Jahre mit NLP beschäftigt und uns gefragt, welche Modelle für das Songtexten hilfreich sind. Die Wichtigsten davon können wir euch hier präsentieren!

Repräsentationssysteme

Menschen können ihre Umwelt durch ihre fünf Sinne wahrnehmen: Sehen, Hören, Fühlen, Riechen und Schmecken. Wenn wir Dinge wahrnehmen, speichern wir diese Erinnerungen gemeinsam mit der Sinnesempfindung ab. Wenn also jemand eine Rose in den Händen hält, speichert er das Wort „Rose“ gemeinsam mit dem Bild „Rote Blume mit Dornen“, dem Gefühl „Sticht, wenn ich zudrücke“ und dem Geruch „Duftet nach Rose“ in seinem Gehirn ab.

Im NLP geht man davon aus, dass jeder Mensch bevorzugte Sinneskanäle hat. Es gibt Menschen, die bei dem Wort „Rose“ am ehesten an das Bild einer Rose denken, also den visuellen Kanal bevorzugen. Andere erinnern sich bei diesem Wort eher an das Gefühl der Dornen und der zarten Rosenblätter. Diese Sinneskanäle nennt man im NLP „Repräsentationssysteme“ und sie werden mit VAKOG abgekürzt:

Jeder Mensch benutzt grundsätzlich alle seine Sinne. Das NLP geht aber davon aus, das die meisten Menschen ein oder zwei bevorzugte Sinneskanäle haben, deren Wörter und Redewendungen sie dementsprechend auch öfter verwenden.

Im Umkehrschluss heißt das für die Kommunikation, das man einen Menschen am persönlichsten ansprechen kann, wenn man Wörter aus seinem bevorzugten Repräsentationssystem verwendet. Der Gesprächspartner kann die Unterhaltung so viel deutlicher wahrnehmen, weil seine Assoziationen und die im Gehirn abgespeicherten Informationen in diesem Sinneskanal viel reichhaltiger sind.

Wie beim Beispiel der „Rose“ gibt es viele Wörter, die mehrere Repräsentationssysteme gleichzeitig ansprechen. Beispielsweise „Lippen“ können visuell und kinästhetisch wahrgenommen werden. „Schmatzen“ kann visuell, auditiv, kinästhetisch und gustatorisch wahrgenommen werden. Sofern das bevorzugte Repräsentationssystem die Wahrnehmung des Wortes zulässt, funktionieren solche Wörter genauso gut, wie Wörter, die ausschließlich ein System ansprechen.

VAKOG beim Songtexten

Leider können wir Songwriter das Repräsentationssystem unseres Hörers nicht herausfinden, so wie die Therapeuten es getan haben. Wahrscheinlich kennen wir unseren Hörer nicht persönlich und zudem sind es im Idealfall mehrere.

Wir wissen nur, dass unter den vielen Hörern verschiedene Repräsentationssysteme vorhanden ist und wir gern alle gleichzeitig bestmöglich ansprechen würden. Die Lösung hierfür liegt in der Quantität der verwendeten Repräsentationssysteme. Wir sind fest davon überzeugt, dass die Repräsentationssysteme in den besten Songtexten ständig wechseln und alle wichtigen Kanäle gleichzeitig genutzt werden. Visuell, auditiv und kinästhetisch sind hierbei die Wichtigsten.

Diese Idee war zu Beginn nur eine Vermutung. Aber nachdem Felix und ich über Jahre hinweg erfolgreiche Songs aus verschiedenen Genres im Englischen und Deutschen daraufhin analysiert haben, stellte sich heraus, dass die meisten guten Songtexte mit dieser Regel unter einen Hut passen.

Wie kann so ein Songtext nun aussehen, der nun häufig zwischen V, A und K hin- und herspringt? Am besten zeigen wir euch das mal an einem Beispiel:

Durch die häufig wechselnden Repräsentationssysteme wird das Bild auf vielen Ebenen gezeichnet und der Hörer bekommt einen viel realistischeren Eindruck der Szene. Wenn er sie live erleben würde, hätte er ja auch Reize für alle fünf Sinne verfügbar, von denen er sich seine Bevorzugten filtern kann. Etwas fast so realistisches könnt ihr eurem Hörer geben, wenn ihr alle drei Sinne VAK gleichzeitig ansprecht.

Es wäre sehr anstrengend, beim Songtexten ständig darüber nachdenken zu müssen, welche Systeme gerade angesprochen werden und diese mit bunten Stiften zu markieren. Deshalb versuchen wir, beim Schreiben alle fünf Sinne präsent zu haben und somit intuitiv alle Sinne zu verwenden. Wir nennen diese Übung „Die fünf Sinne anspitzen“.

Dabei begeben wir uns gedanklich in die Szene, die wir beschreiben wollen und stellen uns dort Fragen, die zielgerichtet die Sinne ansprechen:

Wie sieht die Szene aus? Welche Personen und Dinge kannst du sehen?

Was kannst du hören? Wie klingt es?

Wie fühlt sich die Umgebung an? Welche Gefühle löst die Szene in dir aus?

Was kannst du riechen? Gibt es Dinge mit einem besonderen Geruch?

Gibt es Dinge mit einem besonderen Geschmack?

Diese und viele weitere Fragen an eure Sinne haben wir in unserer Fantasiereise eingebaut, die ihr schon aus der letzten Folge kennt. Probiert es vor dem Schreiben aus, für uns macht „Die fünf Sinne anspitzen“ einen großen Unterschied!

Übung: Nehmt euch einen bestehenden Text, oder schreibt einen Neuen. Versucht, ganz bewusst alle drei Sinneskanäle anzusprechen, so dass in vier Zeilen jeder Kanal mindestens ein Mal vorkommt. Wenn ihr keine Idee parat habt, dann könntet ihr über "Entspannung im Sommer" schreiben.

Metamodell

Das Metamodell ist eine Technik aus dem NLP, um vage Aussagen zu konkretisieren. Durch mehr Details vollzieht sich die Kommunikation auf einer tieferen Ebene und das beschriebene Bild wird konkreter. Diese Technik könnt ihr verwenden, wenn ihr den roten Faden in eurem Songtext vermisst und zu einer Szene noch mehr hinzufügen wollt, damit sie besser nachvollziehbar wird.

Die Technik besteht aus einer Reihe von Fragen, mit denen ihr jeden Bestandteil eurer vagen Aussage konkretisieren könnt. Beispielsweise könnte die vage Aussage „Sie schrieb ihm.“ mit folgenden Fragen spezifiziert werden:

•  Wer ist sie?
• Wer ist er?
• Was schrieb sie?
• Welche Beziehung haben die beiden?
• Wann hat sie geschrieben?

Miltonmodell

Das Miltonmodell ist der Gegenpol zum Metamodell. Hierbei wird nun bewusst vage Sprache verwendet, um so mit den Erfahrungen des Hörers mitzugehen und den Zugang zu unbewussten Ressourcen zu erhalten.

Durch den Einsatz von vager Sprache entstehen Informationslücken. Der Hörer versucht, diese Informationslücken mit seinen eigenen Erfahrungen zu schließen. Er interpretiert seine eigenen Assoziationen in die Szene hinein.

Durch bewusst vage Songtexte könnt ihr somit Zugang zu den unbewussten Ressourcen aller Hörer erhalten und es entsteht eine tiefere Verbindung zwischen Songtext und Hörer, da die individuelle Bedeutung des Songtexts für jeden Hörer varriiert. Hier einmal ein Beispiel dazu:

„Es ist so schön, mit dir im Gras zu liegen.“

Mit dieser Zeile entsteht ein Bild von zwei Personen, die im Gras liegen. Außerdem ist vorgegeben, dass das Gefühl dabei schön ist. Dennoch ist die Aussage so vage, dass jeder Hörer seine eigenen Erfahrungen in die Zeile projizieren kann.

Starke Wörter

Es gibt Wörter, die bei vielen Menschen automatisch starke Assoziationen wecken. Das sind Wörter wie:

Liebe, ja, nein, bitte, Tod, Kraft, Hass, tief, schwarz, Sonne, trauern, lachen, blau, danke, weinen, Achtung, schreien, Blut, Tränen oder Meer.

Solche Wörter nennen wir „Starke Wörter“. Diese lassen sich nicht unbedingt in die Repräsentationssysteme einordnen. Diese Wörter sind emotional belegt, da uns ihre Bedeutung besonders stark anspricht.

In Musik sind solche Wörter echte „Hinhörer“. Euer Song gewinnt viel an Intensität, wenn ihr starke Wörter verwendet. Hierfür gibt es keine Regel, was genau starke Wörter sind. Unsere beste Methode war bisher, uns selbst zu fragen, welche Wörter bei uns persönlich starke Gefühle auslösen. Welche Assoziationen wecken bei euch starke Gefühle? Schreibt sie auf und verwendet diese Wörter in eurer Musik! Es ist sehr wahrscheinlich, dass diese Wörter nicht nur bei euch mit starken Gefühlen verbunden sind.

Übung: Versucht einmal, zu eurem Songtext aus der letzten Übung starke Wörter zu finden. Baut sie anschließend in euren Text mit ein. Hat sich seine Wirkung verändert? An welchen Stellen könnte euer Text etwas mehr oder weniger Informationen enthalten? Versucht, mit Hilfe des Milton- und Metamodells die Aufmerksamkeit im Text bewusst zu lenken. Könnte der Song nun anders auf einen Hörer wirken, der ihn zum ersten Mal hört?

Das war’s schon wieder mit der fünften Folge. Wir hoffen, wir konnten euch einmal eine ganz andere Perspektive auf Songtexte zeigen. Für uns sind die Werkzeuge aus dieser Lektion zum Basisbestandteil aller unserer Songtexte geworden und wir hoffen, dass ihr sie auch so hilfreich findet, wie wir.

Am 20.02. erwartet euch unsere sechste und letzte Folge „Der Feinschliff – 100 lyrische Karat“. Darin wird es um die Überarbeitung eures Songtextes gehen.

Aber jetzt – ran ans Papier und schreibt euren nächsten Songtext! Ihr könnt mir eure Ergebnisse gern an paul.marx.media@gmail.com schicken, ich schaue gern mal drüber.

Viel Spaß beim Ausprobieren!

Der Inhalt

In der letzten Folge „Fließbandtexten“ hatten wir euch den Unterschied zwischen Inhalt und Thema eines Songs vorgestellt. Noch einmal zur Wiederholung: Der Inhalt ist die tatsächlich ablaufende Geschichte, die die Worte des Songtexts beschreiben, während das Thema die Kernaussage ist, verpackt in dem Gefühl, mit dem der Hörer aus dem Song herausgeht.

Wir gehen in dieser Folge davon aus, dass ihr euer Thema bereits gefunden habt, und wir an dieser Stelle anknüpfen um den für euch passenden Inhalt zu finden.

Songtexte können unterschiedlich komplex sein. Es gibt Songs, die nur aus wenigen Worten bestehen, wie beispielsweise „Barbra Streisand“ von Duck Sauce. Der Vorteil solcher Songs ist, dass der Inhalt sehr unpräzise formuliert werden kann und dabei viele verschiedene Assoziationen in verschiedenen Hörern auslöst. Der Fokus des Hörers kann so mehr auf der Musik liegen. Bei Musik, die vorwiegend tanzbar sein soll, ist eine geringe Textkomplexität eine gute Option. Der Anspruch an die wenigen verwendeten Wörter ist damit aber höher, als bei längeren Texten. Es ist ziemlich schwierig, sein Thema in nur sehr wenigen Worten ausführlich genug zu beleuchten.

Andererseits gibt es Songs mit hoher Textkomplexität, also hoher Quantität an Worten. Beispielsweise Rapmusik zählt textlich zu den ausführlichsten Genres. Detailliert ausformulierte Texte vermitteln den Inhalt sehr konkret und können somit das Gefühl des Themas präziser ausdrücken. Hier besteht außerdem mehr Freiheit in der Inhaltswahl bezüglich eines festgelegten Themas. Weniger direkte Zusammenhänge zwischen Thema und Inhalt können mittels komplexer Texte besser hergestellt werden.

Neben der Komplexität ist die Authentizität eures Songtexts von großer Bedeutung. Wenn ihr über Themen und Inhalte schreibt, die ihr selbst erlebt habt, habt ihr Assoziationen auf viel mehr Ebenen als wenn ihr die Situation konstruiert. Eigene Erfahrungen kennt ihr im Detail und wisst, welche Aspekte davon für euch wichtig sind. Ein Thema, das in euren Gedanken aktuell präsent ist, ist neurologisch schneller abrufbar, wodurch viel mehr Aspekte einbezogen werden.

Genug der Einleitung, nun sitzt ihr vor eurem Papier, habt das Thema, aber wie findet ihr den richtigen Inhalt?

Kreativitätstechniken

Kreativitätstechniken regen eure Kreativität und Assoziationsfähigkeit an. Wir zeigen euch hier verschiedene Möglichkeiten, um aus einem abstrakten Thema oder einem Gefühl einen konkreten Inhalt zu formulieren.

Es gibt intuitive und diskursive Kreativitätsmethoden. Intuitive Methoden fördern die Gedankenassoziationen bei der Suche nach neuen Ideen. Mit Ihnen werden unbewusste Teile des Gedächtnisses aktiviert sowie Wissen, an das man sonst nicht denkt.
Diskursive Methoden hingegen gehen systematisch und logisch vor. Mit ihrer Hilfe wird das Problem in kleinste Einheiten aufgeteilt und durch Neukombination entstehen neue Ideen.

Versetzt euch, bevor ihr mit dem kreativen Teil beginnt, zuerst in Trance, so wie wir das in der letzten Folge Fließbandtexten gezeigt haben. Erdet euch, visualisiert euer Thema und macht die Übung zur freien Assoziation. Danach kann es direkt losgehen:

Die Bridgemap

Eine Bridgemap ist eine von uns abgewandelte Version der Mind Map und eher eine intuitive Methode. Hierfür schreibt zuerst euer Thema in die Mitte des Blattes. Anschließend werden Äste assoziiert, so frei wie möglich.

Das Brainstorming

Das Brainstorming ist eine intuitive Kreativitätsmethode. Sie eignet sich besonders, falls ihr bereits erste Ideen für einen Songtext habt. Hierbei werden eure Ideen und Assoziationen einfach ungeordnet aufgeschrieben. Das können Bilder sein, die ihr mit dem Thema verbindet, einzelne Worte, die ihr passend findet, oder sogar schon erste Zeilen, die euch dazu einfallen.

Wichtig beim Brainstorming ist, dass während der Assoziation keine Bewertung erfolgt und ihr die Ideen einfach fließen lasst. Sammelt alles, was euch dazu einfällt und sortiert erst im Nachhinein aus.

Das Ziel hierbei ist, eigene unbewusste Assoziationen aufzudecken und in die Inhaltsfindung einzubeziehen. Diese Technik lässt sich wunderbar nach einer Bridgemap verwenden, um den präferierten Inhalt genauer zu spezifizieren.

Morphologisches Tableau

Ein Morphologisches Tableau ist eine diskursive Kreativitätstechnik, bei der Probleme in ihre kleinsten Bestandteile zerlegt werden. Ich habe hier einmal versucht, diese Technik auf Songtexte anzuwenden.

Völlig zufällig habe ich die drei Songs „Melanie Martinez – Dollhouse“, „Owl City – Fireflies“ und „Kraftklub – Zu Jung“ ausgewählt, und in einer Tabelle auf eine Achse geschrieben. Die andere Achse listet verschiedene Attribute auf, in die sich ein jeder Song zerlegen lässt. In unserem Fall habe ich hier „Thema“, „Inhalt in der Strophe“, „Inhalt im Refrain“, „Tempo“, „Perspektive“, „Songaufbau“, „wichtige verwendete Bilder“ und „Textkomplexität“ gewählt.

Anschließend habe ich alle drei Songs bezüglich dieser Attribute analysiert und die Tabelle gefüllt. Die Idee des Morphologischen Tableaus ist es nun, die Attribute neu miteinander zu kombinieren, um einen neuen Song entstehen zu lassen. Ich habe mir also aus jeder Zeile höchstens eine Ausprägung ausgewählt und sie rot umkreist. Attribute können auch ausgelassen werden, wenn sie nicht ins Gesamtbild passen, so wie ich „wichtige verwendete Bilder“ hier übersprungen habe.

Der neu entstandene Song ist natürlich nur ein Gerüst, an dem noch gefeilt werden muss. Er gibt aber eine grobe Idee für den neuen Song.

Übung: Versucht, mit Hilfe der Bridgemap + Brainstorming, oder mit Hilfe des Morphologischen Tableaus + Brainstorming einen Inhalt zu finden. Startet mit einem Thema aus euer Liste der letzten Folge "Fließbandtexten". Solltet ihr die Folge noch nicht gesehen haben, verwendet das Thema "Versagensangst".

Fantasiereise

Mit diesen Kreativitätstechniken könnt ihr euren Inhalt soweit definieren, dass ihr den Songablauf kennt und wisst, was genau ihr in Strophe, Refrain und Bridge sagen wollt. Sobald das WAS geklärt ist, sollten wir uns um das WIE kümmern.

Denn noch immer ist unklar, wie genau ihr diesen Inhalt auf den Punkt bringen könnt. Was sind die wichtigen Bilder, die ihr verwenden könnt? Welche Details braucht der Hörer, um das Thema so zu erleben, dass die richtigen Gefühle ausgelöst werden?

Hierzu ist es hilfreich, die Perspektive zu wechseln. Versetzt euch vom Produzenten in den Konsumenten hinein. Wie nimmt der Hörer den Song beim ersten oder zweiten Mal hören wahr? Welche Details aus eurem Inhalt helfen dem Hörer, das richtige Gefühl zu spüren und das Thema so wie ihr zu verstehen?

Für diesen Prozess ist die Visualisierungsübung aus der letzten Folge eine große Hilfe. Wir haben diese Suggestion für euch aufgenommen, damit ihr euch voll auf euren Inhalt konzentrieren könnt. Diese Fantasiereise führt euch in ein Kino, indem euer Song als Film abläuft.

Übung: Hört euch die Suggestion an und wendet sie auf euer Thema und euren Inhalt aus der Übung von oben an. Welche Details sind zu eurer Songidee hinzugekommen? Fühlt ihr euch nun eher in der Lage, direkt loszuschreiben?

Bilder

Bilder sind ein wichtiger Schlüssel zu guten Songtexten. Sie entstehen in den Köpfen eurer Hörer, lassen sich zwischen euren Zeilen lesen, wenn ihr sie gut genug beschrieben habt.

Wenn ihr im Songtext Bilder beschreibt, projiziert euer Hörer seine eigenen Erfahrungen, Erinnerungen und Gefühle, die zu diesem Bild passen, auf euren Song. Er versetzt sich in euer Bild, taucht in die Szene ein und dadurch werden Gefühle ausgelöst. Somit bekommt ihr indirekten Zugang zu dem Unbewussten eurer Hörer.

Jeder Mensch hat verschiedene Assoziationen, wenn er beispielsweise an „Entspannung“ denkt. Das ist ein sehr unkonkretes Wort und beschreibt nicht genug Details, um in verschiedenen Hörern ähnliche Bilder zu wecken. Wenn ihr die Entspannung aber mit Hilfe eines Bilds verpackt, ist die Szene schon klarer:

Wir liegen am Strand,
unter den Füßen der Sand,
kalter Cocktail in der Hand.
Du hörst das Rauschen des Meeres.

Im Moment angelangt,
zwischen Wasser und Land,
wo man Zeit vergessen kann.
Uns zieht es in die Ferne.

In dieser Textpassage wird nicht einmal das Wort „Entspannung“ oder „Urlaub“ verwendet, und doch werden die meisten Hörer eigene Gedanken damit assoziieren, die mit Entspannung und Urlaub zu tun haben.

Dabei werden dennoch viele Parameter offen gelassen. Wer sind wir? Wo ist der Strand? Was ist das für ein Cocktail? – Das Bild ist sehr vage gezeichnet, so dass für eigene Assoziationen Raum ist.

Die Kunst der Bilder in Worten ist, die Bilder vage genug zu zeichnen, um eigenen Projektionen Raum zu lassen, aber dennoch ausführlich genug, um den Hörer in die Szene des Songs zu führen – in Inhalt und Thema.

Bilder verbinden Inhalte mit Themen. Sie sind die Momente im Song, in denen der Hörer ein klares Bild des Inhalts vor Augen hat, und das Gefühl des Themas am stärksten spürt. Ein mächtiges Werkzeug für mitreißende Musik.

Wie genau Bilder vage bzw. konkret genug mit Worten gemalt werden können, erfahrt ihr in der nächsten Folge – „Dein Lieblingssong – für 7 Mrd. Menschen“.

Vergleiche & Metaphern

Bilder können über einen ganzen Song lang bis ins Detail beschrieben, oder auch nur in wenigen Worten gezeichnet werden. Ein Bild in wenigen Worten kennt man im Allgemeinen als „Vergleich“ oder als „Metapher“.

Ein Vergleich funktioniert durch ein Wort wie „wie“, oder „als“.

„Sie ist laut wie eine Sirene.“

Hierbei wird die Eigenschaft „Laut“ vom Gegenstand Sirene auf sie übertragen. Im Gegensatz dazu setzt eine Metapher Objekt und Subjekt gleich:

„Sie ist eine laute Sirene.“

Damit personifiziert der Hörer die Sirene und stellt sich sie als Sirene vor. Aus diesem Beispiel wird schon deutlich: Metaphern sind die direktere Form von Bildern und gedanklich eindrucksvoller. Vergleiche erzeugen hingegen mehr Abstand zwischen Subjekt und Objekt, was subtiler wirkt und in manchen Fällen die angebrachtere Wahl des Stilmittels ist.

Ich bin kürzlich auf einen Song der Band „Von Wegen Lisbeth“ gestoßen, in der das gesamte Thema des Songs mit der Metapher „Sushi“ beschrieben wird. Das „Sushi taucht nur kurz im Refrain auf, ist aber ein so kreatives und treffendes Bild, dass es mehr gar nicht bedarf. Hört euch den Song mal an: Von Wegen Lisbeth – Sushi

Übung: Welche einfachen Bilder könntet ihr für euer Thema als Metaphern verwenden? Wofür stehen sie? Versucht, euch aus der Konsumentenperspektive vorzustellen, welche Assoziationen diese Metapher bei jemandem auslöst, der den Song zum ersten Mal hört.

Damit können wir das große Kapitel „Inhalt und Thema“ abhaken. Die nächste Folge ist für mich persönlich die interessanteste Folge von allen, da wir uns dort mit dem NLP, dem neurolinguistischen Programmieren, beschäftigen. Felix und ich haben lange daran gearbeitet, die wichtigsten Methoden aus dem NLP auf das Songtexten zu übertragen. Und wir freuen uns, euch am 13.02. unsere Ergebnisse präsentieren zu können.

Aber jetzt – ran ans Papier und schreibt euren nächsten Songtext! Ihr könnt mir eure Ergebnisse gern an paul.marx.media@gmail.com schicken, ich schaue gern mal drüber.

Viel Spaß beim Ausprobieren!

Am Stück

In den vielen Songtexten, die Felix und ich in den letzten Jahren geschrieben haben, hat sich immer wieder gezeigt, dass unsere besten Texte am Stück entstehen. Wir glauben, dass wir dieses Phänomen begründen und verallgemeinern können. Denn wenn ihr beispielsweise nur eine Strophe schreibt, und ein paar Tage später wieder an dieser Stelle ansetzen wollt, hat sich bis dahin viel verändert:

• Ihr seid in einer ganz anderen Stimmung, als beim ersten Ansatz. Andere Gefühle rufen andere Assoziationen hervor, ihr werdet es also kaum schaffen, die Bilder aus der zweiten Strophe im selben Stil und mit der gleichen Wortwahl wie in der ersten Strophe zu beschreiben.
• Eure Sicht zu Thema und Inhalt hat sich verändert. Als ihr euch das erste Mal an diesen Songtext gesetzt habt, waren die Ideen noch neu und frisch. Mit eurem ersten Versuch zu diesem Thema haben sich eure Gedanken in eurem Kopf entwickelt. In der Zwischenzeit habt ihr mehrfach über das Thema nachgedacht, habt neue Ansätze im Kopf und habt eure Gedanken bewertet. Ihr werdet es nur schwer schaffen, euch in den Zustand vom Beginn zurück zu versetzen und das Thema unvorbelastet zu behandeln.

Inhalt und Thema

Diese Lektion ist eine der wichtigsten für Songwriter. Inhalt und Thema eines Songtextes unterscheiden zu können ist ein Werkzeug, dass euch ermöglicht, völlig neue und kreative Texte zu schreiben.

Am besten lässt sich der Unterschied an einem Beispiel erklären: Nehmen wir den Song „Three little birds“ von Bob Marley. Das ist ein wunderschöner Song, aus dem man mit dem Gefühl heraus geht: Mach dir keine Sorgen, das geht schon alles in Ordnung.

Das Thema des Songs ist also die Hoffnung auf Vertrauen der Menschen. Das ist die Botschaft, die Kernaussage des Songs.

Bob Marley sagt in seinem Song aber nicht: „Ich hoffe, dass ihr einander vertraut.“ Stattdessen beschreibt er ein Bild von drei kleinen Vögeln, die bei Sonnenaufgang auf seiner Türschwelle sitzen und Lieder singen. Mit diesem Bild gibt er dem Hörer ein Gefühl des Vertrauens und Bewunderns.

Der beste Weg, seine Nachricht zu verbreiten, ist über ein Bild, ein Gefühl, das der Hörer selbst erlebt. Jeder versteht, was Bob Marley mit dem Song sagen will, auch wenn er es nicht selbst formulieren kann. Er hat sich also entschieden, sein Thema über ein Bild deutlich zu machen, das es verständlicher präsentiert als der bloße Satz „Ich hoffe, dass ihr einander vertraut.“ Und dieses Bild, was Bob Marley beschreibt, ist der Inhalt seines Songs. Das sind die Wörter, die in Strophe und Refrain wirklich dastehen. Das ist die Szene, die er beschreibt.

Übung: Versucht, bei einigen eurer Lieblingssong das Thema und den Inhalt so kurz und genau wie möglich zu beschreiben. Wie wirkt das Thema des Songs durch den gewählten Inhalt und die beschriebenen Bilder?

Das Song Thema finden

Bei der Suche nach einem guten Thema ist wichtig, dass ihr euch persönlich mit damit identifizieren könnt. Sucht in eurer Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft nach Themen, die euch besonders beschäftigen. Einerseits wird es euch so viel leichter fallen, euren Song mit Szenen und Bildern anzureichern, andererseits habt ihr dann auch eine ganz andere Beziehung zu eurem Songtext.

Ein gutes Thema ist mit Emotionen verknüpft. Hoffnung, Liebe, Trauer, Ängste, Wut, Freude, Sorgen und viele weitere Gefühle können der Schlüssel zu eurem Thema sein. Sucht am besten nach einem Erlebnis oder Gedanken in eurem Leben, mit dem ein Gefühl verbunden ist, welches ihr gern ausdrücken wollt.

Das können sehr kleine Dinge sein, wie zum Beispiel der Gedanke, gern Schokoladenkuchen zu essen. Der ist vielleicht mit einer Vorfreude verbunden und einem tollen Geschmack.

Es können aber auch sehr große und bewegende Dinge sein, wie beispielsweise das Gefühl, euer Abschlusszeugnis überreicht bekommen zu haben, oder vielleicht die Angst vor dem Tod nahestehender Personen in der Zukunft.

Versucht, dieses Thema nun allgemein und kurz zu formulieren, so dass in 2 -6 Worten deutlich wird, welches Gefühl ihr damit verbindet.

Beispiele für solche Themen wären:

• extatische Vorfreude auf Schokoladenkuchen,
• Stolz auf die eigene Leistung,
• Sorge um das Sterben des Großvaters,
• Sehnsucht nach Freiheit,
• Glaube an eine höhere Macht,
• Zweifel an Gott,
• überwältigt sein von der Schönheit der Welt,
• Hass auf die Fleischindustrie.

Die Themenmatrix

In unserem Video haben wir die Themenmatrix vorgestellt. Diese basiert auf der Idee, dass geschrieben formulierte Themen meistens aus zwei Dingen bestehen: Einem Gefühl und einem Subjekt, auf dass sich das Gefühl bezieht.

Wir stellen in einer Matrix auf zwei Achsen somit eine Liste von Gefühlen einer Liste von Subjekten gegenüber. Die Liste von Gefühlen sind bei uns die sieben Basisemotionen nach Paul Ekman: Freude, Wut, Ekel, Angst, Abscheu, Trauer und Überraschung. Die gegenüberliegenden Subjekte sind eine Liste von Themen, die unserer Meinung nach jeden Menschen interessieren, da sie die meisten Menschen persönlich betreffen: Beziehungen, Sexualität, Geld, Beruf, Hobbies, Träume, Zukunft und Reisen.

Beide Achsen können beliebig weit aufgefächert werden, da sich jeder der enthaltenen Punkte weiter spezifizieren lässt. Statt Angst könnten beispielsweise stehen: Schock, Lampenfieber, Todesangst, Schmetterlinge im Bauch, Unwohlsein, Versagensangst und viele weitere. .

Übung: Formuliert mit Hilfe der Themenmatrix eine Liste eigener Themen. Achtet darauf, dass ihr jedes Thema mit einer eigenen Erfahrung verbinden könnt. Diese Liste wird euch später beim Schreiben eurer Songs enorm weiterhelfen.

Die Trance

Wir sind der Meinung, dass sich der erste Entwurf des gesamten Songtextes in ungefähr 10 Minuten schreiben lässt. Mit der richtigen Einstellung, dem richtigen Umfeld und der richtigen Vorbereitung können wir uns zum Schreiben in eine Trance versetzen, unter der Blockaden keine Rolle mehr spielen.

Eine Trance hat, entgegen der landläufigen Meinung, nichts Magisches oder Hypnotisches an sich, sondern ist ein ganz alltäglicher Zustand. Beim konzentrierten Lesen eines guten Buches blenden viele Menschen ihr Umfeld so stark aus, dass sie mit ihrer ganzen Aufmerksamkeit in die Welt des Buches eintauchen und nichts mehr um sich herum wahrnehmen. Diesen Zustand nennen wir „Trance“ und ist der Schlüssel zum erfolgreichen Songtexten.

Das Umfeld

Wichtig ist zuerst, dass ihr euer Umfeld richtig wählt und entsprechend vorbereitet. Es sollte ein entspanntes und ruhiges Umfeld sein, egal, ob ihr allein oder in einer kleinen Gruppe textet. Ihr solltet eure Ruhe haben und nicht von externen Personen gestört werden können. Also: Handy aus, Fenster und Tür zu und alle weiteren Störquellen, die vom Texten ablenken, ausschalten. Nehmt euch außerdem genug Zeit. Wenn in 30 Minuten schon der nächste Termin ansteht, müsst ihr unter Zeitdruck arbeiten und das macht die Trance nahezu unmöglich.

Das Mindset

Wir haben drei Übungen für euch, mit denen Ihr eure Kreativität und Aufmerksamkeit fördern könnt, bevor ihr mit dem Texten beginnt. Diese Übungen versetzen euch in ungefähr 10 Minuten in den Zustand der Trance.

1. Das Erden:

Setzt euch bequem hin, schließt die Augen und beruhigt euren Körper. Atmet tief in den Bauch ein, haltet den Atem und zählt bis drei, dann atmet langsam wieder aus. Konzentriert euch dabei voll auf eure Atmung, wie die Luft durch die Nase bis tief in den Körper hinein- und herausströmt. Dieser Fokus und das Atmen beruhigt euch und lässt alle Sorgen und Gedanken verschwinden.

2. Die Visualisierung:
Nehmt euch bereits an dieser Stelle euer Thema bzw. euren Inhalt her und versucht, ihn euch bildhaft vorzustellen. Dies könnt ihr beispielsweise tun, indem ihr euch vorstellt, in ein Kino zu gehen und euren Song als Film zu erleben. Stellt euch vor, wie eure Musik im Hintergrund läuft und dazu auf der Leinwand die Bilder und Szenen zu sehen sind, die euch zu eurem Thema geführt haben. Welche Personen, Handlungen und Gespräche drücken euer Gefühl aus?

3. Die freie Assoziation:
Egal, ob ihr allein, oder in einer kleinen Gruppe seid, bei dieser Übung solltet ihr laut sprechen. Stellt eine Stoppuhr auf genau zwei Minuten und beginnt zu sprechen. Die einzige Regel: Ihr dürft in diesen zwei Minuten nicht aufhören, zu sprechen. Zu Beginn werdet ihr versuchen, logisch zu assoziieren, aber irgendwann ist euer Mund schneller als euer Bewusstsein und ihr beginnt, euer Unterbewusstsein sprechen zu lassen. Diese Übung fördert euer Assoziationsvermögen und hilft beim Texten, schnell Einfälle zu generieren, auf die ihr mit logischem Denken nur langsamer oder gar nicht kommen würdet.

Übung: Probiert diese drei Übungen einmal aus und versetzt euch in Trance. Besonders die freie Assoziation ist ein wenig gewöhnungsbedürftig, aber nach einigen Versuchen kann sie echte Wunder bewirken.

Die goldenen Flowregeln

Flow ist ein interessantes Phänomen, zu dem in den letzten Jahren einige inspirierende Bücher erschienen sind. Der Flow beschreibt einen Zustand beim Arbeiten, indem Dinge schnell und flüssig entstehen, ohne das Blockaden die Kreativität bremsen. Ihr könnt den Flow durch das Induzieren der Trance erreichen.

Nehmt euch nach den drei Übungen also Stift und Papier und beginnt zu schreiben. Lasst alle Ideen und Gedanken zu und schreibt sie auf. Im Idealfall schreibt ihr viel zu viele Ideen auf, aus denen ihr später die besten Passagen auswählen könnt. Euch sollte bewusst sein, dass ihr das aktuelle Gefühl und die aktuelle gedankliche Einstellung zu eurem Thema und Inhalt nach dem ersten Schreibversuch nicht wieder zurückholen könnt. Wie ich oben beschrieben habe, werden sich eure Einstellung und eure Gedanken mit dem ersten Schreiben verändern. Das ist nicht schlimm, wirkt manchmal sogar Wunder für neue Ansätze, heißt aber auch, dass ihr alles fließen lassen und festhalten solltet, was euch nun in den Sinn kommt.

Mit folgenden Regeln im Hinterkopf vermeidet ihr Schreibblockaden:

1. Reime sind zweitrangig!
Bleibt nicht daran hängen, Reime auf eure Zeilen zu suchen! Der rote Faden ist im Moment wichtiger, Reime können dort später ergänzt werden.

Mit diesen simplen Regeln habt ihr die Werkzeuge, um euren gesamten Songtext am Stück herunterschreiben zu können. Wenn der Trancezustand nicht abreißt, könnt ihr wirklich „schreiben wie am Fließband“. Um die Überarbeitung und den Feinschliff werden wir uns später kümmern. In der nächsten Folge „Wie Bilder Worte werden“ widmen wir uns zuerst einmal dem Inhalt eures Songs. Wir zeigen euch faszinierende Kreativitätstechniken, die ein tolles Zusammenspiel von Inhalt und Thema ermöglichen. Schaut unbedingt mal vorbei!

Aber jetzt – ran ans Papier und schreibt euren nächsten Songtext! Ihr könnt mir eure Ergebnisse gern an paul.marx.media@gmail.com schicken, ich schaue gern mal drüber.

Viel Spaß beim Ausprobieren!

Die Anatomie des Reims

Zwei Wörter reimen sich aufeinander, wenn ihre Endung phonetisch gleich klingt. Phonetik ist die Lehre der klanglichen Laute und erklärt beispielsweise, warum sich “time” auf “Reim” reimt. Wenn wir die beiden Worte phonetisch aufschreiben, also so, wie sie ausgesprochen werden, schreibt man sie [taim] und [raim]. Wie ihr sehen könnt haben beide die Endung “aim”.

In Songtexten erwarten die Hörer meist, dass sich Zeilen reimen. In einer Zeile wird eine Erwartungshaltung für den Hörer aufgebaut, die erst durch den passenden Reim in einer späteren Zeile erfüllt wird. Somit entsteht ein Spannungsbogen und ein akkustischer Wiedererkennungseffekt. Gereimte Aussagen prägen sich leichter ein, wodurch sich gereimte Songs auch viel besser mitsingen lassen. Außerdem macht es den Text spannender.

Grundsätzlich können Reime sauber und unsauber sein. Bei einem sauberen Reim stimmt die phonetische Endung der beiden Wörter exakt überein. Wenn sie hingegen phonetisch nur ähnlich klingen, ist der Reim unsauber. Saubere Reime bringen eine höhere Sicherheit mit sich, dass der Hörer den Reim als solchen wahrnimmt. Unsaubere Reime erfordern eine flexiblere Assoziationsfähigkeit. Der Hörer kann solche Reime mit einem Schmunzeln wahrnehmen.

Auf Wörter gibt es stets mehr unsaubere als saubere Reime, insofern steigt die Wahrscheinlichkeit bei einem unsauberen Reim, dass er für den Hörer völlig neu ist und eine ganz neue Verbindung zwischen Wörtern schafft. Dies ist ein Mehrwert, der das Erleben des Texts ebenfalls spannender gestalten kann.

Am Beispiel wird ebenfalls deutlich, dass der Reim mindestens ab der letzten betonten Silbe beginnen muss. Wenn die letzte Silbe betont ist, wie bei dem Wort „Pflaumenbaum“, funktionieren auch Reime nur auf die Endung -aum. Bei „Pflaume“ hingegen reicht ein Reim auf die Endung -me nicht aus, es müssen sich also mindestens zwei Silben auf -aume reimen. Somit sollte die Silbenzahl der Reime ab der betonten Silbe übereinstimmen.

Übung: Versucht, jeweils mindestens 3 saubere, insgesamt mindestens 7 Reime auf folgende Wörter zu finden: Traum, schreiben, Gitarre, gelegentlich.

Doppelreime

Besonders im Hiphop und Pop sind Doppelreime üblich. Doppelreime sind per Definition mehrsilbige Reime, entweder auf längere Wörter oder Wortgruppen. Ihre Besonderheit ist, dass sich die Silben an der gleichen Position in beiden Wörtern aufeinander reimen.

Am besten lässt sich das an einem Beispiel erkennen:

Diese vier Doppelreime reimen sich (unsauber) aufeinander. Alle vier Wörter sind dreisilbig und ihre phonetischen Vokale sind in allen vier Fällen [..a..e..ai..]. Hierbei spricht man von einem dreisilbigen Doppelreim. Dieses Stilmittel lässt den Text noch mehr mit den Reimen verschwimmen und macht die Stelle zu einem echten “Hinhörer”. Einige Hiphop-Artists legen ihre Texte so an, dass sich in jeder Zeile mehrere Doppelreime aufeinander befinden. Auch achtsilbige Doppelreime und länger sind keine Seltenheit!

Ein gern genutztes Stilmittel ist auch, die Doppelreime in Wörtern zu verstecken. Durch die richtige Positionierung im Takt wird der Reim dann rhythmisch erst deutlich. In der folgenden Zeile findet ihr gleich vier versteckte Doppelreime auf “Massenreim”:

Doppelreime zu finden ist ein wenig kompizierter im Vergleich zu einsilbigen Reimen. Eine gute Methode ist es, das mehrsilbige Wort in kürzere Bestandteile zu zerlegen und zuerst einige Reime auf die Reimschnipsel zu finden. Anschließend könnt ihr versuchen, verschiedene Reimschnipsel miteinander zu kombinieren und sinnvolle Doppelreime zu erhalten. Das müssen keine zusammenhängenden Wörter sein, auch Wortgruppen wie im Beispiel „lange Zeit“ können gut funktionieren. Der Anspruch an Doppelreime fordert selbst erfahrene Texter. Dennoch ist hier mit ein bisschen Übung eine schnelle Steigerung im Reimefinden möglich!

Übung: Sucht doch mal ein paar Doppelreime auf folgende Wörter: Nachtigall, Grabrede, Lotusblüte, Staffelmalerei.

Die Position des Reims im Takt

Rhythmisch gibt es einige Grundregeln, durch die eure Hörer denn Reim besser wahrnehmen können. Erinnert euch an die X-Dot-Methode aus dem ersten Blogbeitrag. Dort hatten wir festgestellt, dass Wörter ihre natürliche Position im Takt einnehmen, sobald man ihre natürliche Betonung berücksichtigt.

So ähnlich verhält es sich auch mit dem Reim. Ein Reim klingt natürlich, wenn beide Wörter an der gleichen Position im Takt stehen.

In diesem Beispiel steht der Reim fly-high in beiden Zeilen kurz vor dem vierten Grundschlag. Ganz egal, wo die Position des Wortes im Takt ist, die beste Position für den Reim in der betreffenden Zeile ist exakt die Gleiche!

Sollte das einmal aus irgendeinem Grund nicht möglich sein – beispielsweise weil ihr die zweite Zeile kürzen müsst – dann achtet darauf, dass der Reim immerhin noch die gleiche Position zu einer Grundzählzeit hat. In unserem Beispiel bedeutet das: Unser Reim “high” war kurz vor der Zählzeit Vier. Wenn wir ihn verschieben müssen, dann entweder kurz vor die Drei oder kurz vor die Zwei:

Wenn wir den Reim an eine andere Stelle schieben würden, ist er im Rhythmus nur noch schwer als Reim zu erkennen und klingt künstlich. Diese Lösung wäre also unprofessionell:

Hier liegt der Reim kurz nach der Zählzeit Eins. Probiert es mal aus, es klingt ganz komisch.

Nutzt also auch die beiden Techniken Pause und Umformulieren, um eure Reime an den richtigen Stellen im Takt positionieren zu können.

Übung: Schreibt vier Zeilen zum Thema euer Wahl. Wenn euch keines einfällt, schreibt über “Wiederentdecken kindlicher Neugier”. Achtet hierbei auf die Position der Reime im Takt, sowie darauf, bewusst Pausen zu setzen.

Reimschemata

Im Folgenden werden wir uns ein paar gängige Reimschemata anschauen und jeweils an einem Beispiel ausprobieren. Diese Reimschemata helfen euch, die Reime in die richtigen Zeilen zu setzen. Wenn ihr bewusst eines dieser Reimschemata verwendet, solltet ihr dabei bleiben. Euer Hörer wird sich sonst wundern, wenn die eine Strophe nur aus Paarreimen besteht, während die nächste Strophe Kreuzreime verwendet. So eine Spielerei lenkt vom Inhalt ab und sollte sparsam verwendet werden.

Paarreim

Der Paarreim ist das üblichste Reimschema und findet sich in allen Genres wieder. Hierbei reimen sich stets zwei aufeinanderfolgende Zeilen miteinander. So entstehen Paare von Zeilen, die kurze Spannungsbögen aufbauen. Um den Fokus des Hörers auf den Inhalt des Textes zu legen, ist der Paarreim die beste Wahl.

Beispiel:

Kreuzreim

Kreuzreime eignen sich beispielweise gut für Refrains. Bei ihnen reimen sich die erste und dritte Zeile sowie die zweite und vierte Zeile. Um beide Reime wahrzunehmen, muss sich der Hörer zuerst beide letzten Wörter der ersten beiden Zeilen merken, damit er später die Reime erkennen kann. Somit wird ein längerer Spannungsbogen aufgebaut, bei dem die Erwartunghaltung gleich auf zwei Reime erfüllt werden muss.

Beispiel:

Umarmender Reim

Der umarmende Reim baut, ähnlich wie der Kreuzreim, eine Erwartungshaltung für zwei Zeilen auf. Diese werden dann aber in umgekehrter Reihenfolge erfüllt. In der Musik ist dieses Reimschema eher selten zu finden, da es nicht so gleichmäßig wie der Kreuzreim klingt. Als besonderes Stilmittel taugt diese Reimform aber auf jeden Fall!

Beispiel:

Schweifreim

Der Schweifreim funktioniert über ein paar Zeilen mehr. Eine Reihe von Zeilen, die auf dem gleichen Reim enden, wird von einer neuen Zeile (b) unterbrochen. Im Anschluss daran folgen eine Reihe von Zeilen mit einem neuen Reim, an deren Ende sich nun der Partner zu b findet. Dieses Reimschema erfordert vom Hörer, sich den Reim b ziemlich lange zu merken, wobei aber auch ein größerer Spannungsbogen entsteht. Denkbar wäre so ein Beispiel auch in der Form aab ccb, sofern die Zeilen mit b jeweils über zwei Takte gehen. Wichtig ist, dass der Schweifreim immer in der letzten Zeile eines geraden Blocks von Takten kommt. So bleibt die natürliche Gleichmäßigkeit erhalten.

Beispiel:

c
c
c
bReimt jeden Tag
via Reimschemata
und ihr schreibt einen Part.
Wir wissen, dass du viel kannst.

Das hier ist ein Schweifreim
Danke fürs dabei sein
Habt ihr Bock auf Teil drei
Schreiben wie am Fließband.

Haufenreim/Binnenreim

Viele Zeilen, die sich alle auf ein und dieselbe Zeile a reimen, bezeichnet man als Haufenreime. Diese sind besonders unterhaltsam, da der Text dadurch eine stärkere Einheit darstellt. Dem Hörer wird die Regelmäßigkeit schnell bewusst und er fieber selbst mit, wie viele Reime der Interpret wohl noch findet.

Im Rap werden Haufenreime häufig mit Binnenreimen kombiniert, so dass sich weitere (Doppel-) Reime nicht nur am Ende der Zeilen, sondern auch in den Zeilen befinden. Durch eine solche Masse an Reimen klingt die Stimme fast wie ein Instrument, dass immer wieder dieselbe Folge von Vokalen wiedergibt.

Beispiel:

Übung: Schreibt eure vier Zeilen aus der letzten Übung um, so dass sie als Paarreim, Kreuzreim oder als Umarmender Reim funktionieren. Wie wirkt diese neue Form?

Reime finden beim Schreiben des Textes

Eine unserer wichtigsten Aussagen dieser Reihe ist, dass ihr euren Songtext am Stück und ohne Unterbrechung schreiben solltet. Einer der fiesesten Fallstricke beim Texten sind aber leider die Reime. Wenn ihr am Ende einer Zeile anlangt und nicht sofort einen Reim findet, solltet ihr nicht zu lange dort verweilen, sondern lieber erst einmal ein anderes Wort einfügen, oder durch einen Strich kennzeichnen, dass hier später ein Reim eingefügt werden soll.

Auch wenn ihr innerhalb einer Zeile das Gefühl habt, dass hier später noch ein Reim hineinsollte, markiert die Stelle einfach mit einem Strich und kehrt später hierhin zurück. Erstmal muss der rote Faden stehen.

Eine große Gefahr an Reimen ist, dass der Text dadurch seinen Sinn verliert. Fokussiert sich der Texter zu stark auf das Verwenden von Reimen, dann entstehen Zweckreime. Selbst wenn der Hörer nicht merkt, dass die verwendeten Worte nur des Reims wegen dastehen, wird der Inhalt so unübersichtlich, dass dem Hörer jeder Zugang und rote Faden verloren geht. Vermeiden könnt ihr dass nur, indem ihr darauf vertraut, dass es auch vorerst ohne Reim funkioniert und ihr den Text nicht beim ersten Schreiben perfekt machen wollt. Lasst die Reime warten bis auf die Überarbeitung, zuerst muss der Inhalt stimmen!

Übung: Um Reime zu finden solltet ihr euch ab und zu ein paar Wörter ausdenken und darauf jeweils 4-8 Reime aufschreiben. Dies ist aus zwei Gründen sinnvoll: Erstens schult ihr damit eure Assozisationsfähigkeit und könnt in Zukunft leichter neue Reime finden. Zweitens könnt ihr die dabei entstehenden Listen sammeln und beim Texten in der Nähe haben. Wenn ihr einen Reim sucht, auf den ihr schonmal gereimt habt, erinnert ihr euch leichter an eure Reime oder könnt nachschlagen.

Reimen macht richtig Spaß. Felix und ich haben uns viele Jahre lang immer wieder gegenseitig vielsilbige Wörter hingeworfen und einen Wettbewerb daraus gemacht, wer die meisten und besten Doppelreime findet. So sind ganze Songs entstanden, in denen sich bis zu 96 Zeilen auf einander reimen. Reime kennen keine Grenzen!

Ihr könnt mir eure Ergebnisse gern an paul.marx.media@gmail.com schicken, ich schaue gern mal drüber.

Viel Spaß beim Ausprobieren!

Die X-Dot-Methode

Welche Rolle spielt das Songtext Schreiben beim Musik produzieren? In dieser Folge erklären wir einiges Grundlegendes zum Songtext Schreiben. Wir zeigen am 4/4-Takt, in welchen Tempi Songs geschrieben sind und versuchen, euch ein Gefühl für Tempi zu vermitteln. Mit dieser Grundlage können wir Takte in den meisten Songs mitzählen und nutzen diese Möglichkeit, den Aufbau erfolgreicher Songs unter die Lupe zu nehmen. Wo und wie lang erklingen Strophen und Refrains?

Außerdem geben wir euch eine unserer bewährtesten Techniken beim Songtext Schreiben, um den Rhythmus der Worte mit auf dem Papier festzuhalten – die X-Dot-Methode. Mit ihrer Hilfe könnt ihr jedem Musiker und Interpreten deutlich vermitteln, in welchem Rhythmus ihr euch den Song gesungen oder gerappt vorstellt.

Songtext Schreiben im Prozess der Songproduktion

Songs bestehen grundsätzlich aus zwei Bestandteilen: Dem Text und der Musik. Diese Teile können gleichzeitig oder nacheinander entstehen, jede Reihenfolge ist machbar und liefert unterschiedliche Ergebnisse. Wir haben viele Möglichkeiten ausprobiert und können uns für keinen eindeutigen Favoriten entscheiden, probiert es einfach selbst!

Zum Songtext zählen bei uns nicht nur die Worte in der richtigen Reihenfolge, sondern auch, in welchem Rhythmus diese später im Song gesungen oder gerappt werden. Der Rhythmus ist die gestalterische Freiheit des Texters, denn er hat wesentlichen Einfluss auf die Betonung und das Gewicht der Worte. Die Melodie spielt für den Texter aber erst einmal keine Rolle, denn diese ist unserer Ansicht nach nicht Aufgabe des Texters, sondern des Produzenten oder Interpreten. Somit ist also die Aufgabe des Songtexters, seine Worte so auf den Zeilen und den Takten zu verteilen bzw. aufzuschreiben, dass der Interpret später leicht den Rhythmus nachvollziehen kann und sich mehr auf die Melodie konzentrieren kann.
Die Musikproduktion umfasst die Komposition, das Sounddesign und Arrangement des Songs. Dies kann mit oder ohne eingebundener Melodie erfolgen. Entweder komponiert also der Produzent die Melodie, oder der Interpret findet später eine Melodie auf den vorgegebenen Harmonien. Wenn Text und Musik fertig sind, kommt der Interpret ins Studio und singt den Song ein. Ab diesem Moment lässt sich am Text kaum mehr etwas verändern.

Der Ablauf des Songs sollte an dieser Stelle auch schon weitestgehend feststehen. Anschließend wird die Aufnahme gemischt und gemastert, also am Sound gefeilt und dann ist der Song fertig.

Wir widmen uns in der Songtexten-Reihe also nur dem Songtexten. Wie schreibe ich einen guten Text? Wie finde und notiere ich den richtigen Rhythmus? Die Melodie soll hier keine Rolle spielen, da sie in unserem bewährten Produktionsprozess danach entsteht.

Der 4/4-Takt

Die meisten Songs, die ihr im Radio hört, sind im Vier-Viertel-Takt. Das heißt, dass ein Takt aus vier Grundschlägen besteht, von denen jeder so lang ist, wie ein Viertel des Gesamttaktes.

Tempo

Stellen wir uns einmal den tickenden Sekundenzeiger einer Uhr vor. Dieser tickt 60 mal in einer Minute. Es sind also 60 Schläge pro Minute. In der Musik wird hierfür die englische Übersetzung “Beats per minute” (BPM) verwendet. Ein Song im Tempo 60 BPM hat also 60 Grundschläge in einer Minute. Wenn immer vier Grundschläge in einen Takt passen, sind also 60 / 4 = 15 Takte in einer Minute. 60 BPM ist ein sehr langsames Tempo. In diesem Tempo sind einige Balladen oder auch sehr langsame Hiphop Songs geschrieben. Songs in langsamem Tempo können beruhigend, tiefsinnig oder auch traurig wirken. 60 BPM ist langsamer als die meisten Gehtempi beim Schlendern und auch langsamer als unser Pulsschlag – das beruhigt uns also. Aber auch Eindringlichkeit kann so ausgedrückt werden. Wichtige Sätze in Reden oder Diskussionen werden betont langsam gesprochen, damit das Gegenüber jedes Wort versteht und durchdenken kann. Diese Intention lässt sich in Songs auch mit langsamen Tempi realisieren.

Stellen wir uns vor, unser Sekundenzeiger würde doppelt so schnell ticken. Die uns bekannten Ticks sind also jetzt die Eins und Drei im Takt, dazwischen fügen wir die Zwei und Vier ein. Jetzt sind wir bei 120 Grundschlägen pro Minute, also 120 BPM. Hierbei würden ganze 30 Takte in eine Minute passen. In diesem Tempo sind viele Popsongs zu finden, für Hiphop ist dieses Tempo meist schon zu schnell. Ein schnelles Tempo wirkt aufheiternd, fröhlich oder auch gehetzt. In Stilen wie Drum’n’Bass, Jungle oder Speed Metal ist das übliche Tempo weit höher. Von 140 BPM bis zu 300 BPM können hier Songs gefunden werden.

Songstruktur

Mit den Grundlagen zu Takt und Tempo können wir uns nun damit beschäftigen, wie Songs aufgebaut sind. Folgende Bestandteile finden sich in den meisten Songs:

An diesen beiden Songs lassen sich typische Strukturen recht gut erkennen. Es gibt ein kurzes Intro und Outro, wobei beide nicht unabkömmlich sind.
Rapstrophen sind meistens 16 Takte lang, während im Pop häufiger variiert wird, 8 Takte sind hier eher üblich. Marteria trennt die Strophen durch Refrains voneinander und es ergibt sich eine klassische Struktur. Erst am Ende kommt eine Bridge, die den Song nochmal völlig umkrempelt und in ein ganz neues musikalisches Thema überleitet.
In Fireflies lässt der erste Refrain lange auf sich warten. Die Spannung wird kontinuierlich gesteigert, so dass 2 Strophen und eine Bridge zu hören sind, bevor der Refrain einsetzt. Da im Pop langsamer gesungen wird, als im Hiphop gerappt wird, ist hierfür wesentlich weniger Text notwendig.

Interessant ist vielleicht noch, dass in Fireflies der erste Refrain 9 Takte lang geht. Dort wurden die üblichen 8 Takte um einen Fülltakt erweitert, indem viele Instrumente aus dem Refrain ausklingen und im Klangbild wieder Platz geschaffen wird für die eher dünnen Synthies aus der Strophe. Das ist ein übliches Mittel um klanglich verschiedene Teile ineinander übergehen zu lassen.

Ihr solltet euch beim Schreiben eures Songs also fragen, wie er aufgebaut sein soll. Legt schon zu Beginn einen Ablauf fest, um euch den Song besser vorstellen zu können.
Sobald ihr die ersten Zeilen schreibt, könnt ihr auch schätzen, wie schnell das Tempo etwa sein soll. Sprecht dafür die ersten Zeilen einmal rhythmisch und versucht, den Grundschlag mitzuschnipsen.

So bekommt ihr am besten ein Gefühl für das ideale Tempo. Wenn allerdings schon Musik vorhanden ist, solltet ihr euren Text an das entsprechende Tempo anpassen.

In der populären Musik verändern sich Taktart und Tempo meistens im gesamten Song nicht. Somit lässt sich bei bekanntem Songaufbau und bekanntem Tempo schon voraussagen, wie lang der Song letztendlich sein wird. Mit folgender Formel könnt ihr die Songlänge für einen Song im 4/4-Takt berechnen:

Übung: Analysiert die Songstruktur eurer Lieblingssongs. Findet heraus, wann welcher Teil des Songs kommt und wie viele Takte er lang ist. Wie wirkt diese spezielle Songstruktur? Warum ist sie so gewählt und nicht anders?

Die X-Dot-Methode

Mit dieser Methode könnt ihr euren Rhythmus mit eurem Text zusammen aufschreiben, so dass jede Person, die noch an der Songproduktion beteiligt ist, den Rhythmus vom Papier lesen kann. Jede fremde Person, die die X-Dot-Methode kennt, kann euren Song exakt so interpretieren, wie ihr euch das vorstellt. Auch wenn ihr selbst einmal den Rhythmus vergessen haben solltet, könnt ihr euch mit Hilfe der X-Dot-Methode schnell wieder daran erinnern. Außerdem vereinfacht die X-Dot-Methode viele weitere Prozesse des Songtextens, auf die wir in den nächsten Folgen eingehen.

Wichtigste Regel für die X-Dot-Methode ist, dass ihr den Text eines Taktes auf genau eine Zeile schreibt. Für jeden neuen Takt müsst ihr eine neue Zeile beginnen. Wenn eure Strophe also 16 Takte hat, geht euer Text also auch über 16 Zeilen!

Nehmen wir uns nun einen Takt beziehungsweise eine Zeile heraus. Versucht am besten, sie auf die Musik zu singen, oder den Grundschlag mit gleichzeitig mit den Fingern zu schnipsen. Jeder dieser Grundschläge soll auf der geschriebenen Zeile festgehalten werden – und es gibt folgende einfach Regel:

Übung: Sucht euch mindestens zwei Songs und schreibt interessante Teile davon in der X-Dot-Methode auf. Vergleicht einmal einen Rapsong mit einem Popsong. Beispielsweise wäre James Blunts “High” ein schönes Beispiel, um langgesungene Wörter zu notieren. Achtet ganz bewusst auf Pausen. An welchen Stellen im Takt werden Pausen eingesetzt, um einen interessanten Rhythmus aufzubauen?

Songtext Schreiben in der X-Dot-Methode

Beim Songtext Schreiben habt ihr meist einzelne Wörter, Wortgruppen oder Sätze im Kopf. Damit könnt ihr eure erste Zeile formulieren, auf die ihr anschließend einen Reim suchen könnt. Habt ihr den Reim gefunden, ist es Zeit, die Zeile zu formulieren, die mit eurem Reim endet.

Es gibt einiges zu beachten, wenn ihr eure Wörter nun auf dem Takt verteilt. Die wichtigste Erkenntnis hier ist, dass Wörter ihre ganz natürliche Betonung haben. Und betonte Silben sollten meistens auf den Grundschlägen liegen.

Ich habe in dieser Beispielzeile mal alle natürlich betonten Silben fett markiert. Das sind die Silben, die auch auf den Zählzeiten (bzw. genau dazwischen auf dem +) landen sollten. Zum Beispiel könnte der Rhythmus so verteilt werden:

Auf diese Weise verraten euch die meisten Wörter schon ganz von selbst, wo sie im Takt stehen möchten. In manchen fällen klingt die Zeile ein wenig holprig.

Dieser Satz kann verschieden betont werden. Nehmen wir einmal an, ihr wollt die fett markierten Silben betonen. Das wird in einem 4/4-Takt schwierig, diese fünf Silben auf die Grundzählzeiten zu verteilen. Außerdem sind die betonten Silben ungünstig verteilt.
Hierbei habt ihr nun zwei Möglichkeiten:

1. Pausen
Setzt einfach Pausen zwischen den Worten, so dass ihr die wichtigsten Wörter trotzdem auf die Grundzählzeiten legen könnt. Das könnte in unserem Beispiel so aussehen:

Jetzt ist das Wort “so” zwar noch unbetont, aber der Sinn der Betonung wird dennoch gut deutlich.

Pausen sind eins der wichtigsten Stilmittel in Songtexten. Wenn eine Zeile eines Songs “voll” ist, ist jede Sechzehntel des Taktes gefüllt. Optimaler Weise sind alle betonten Silben auf Grundschlägen oder den Und-Schlägen. Ein Beispiel eines solchen natürlichen Jambus wäre:

Viel spannender würde die Zeile aber mit kreativ gesetzten Pausen klingen. Zum Beispiel so:

Auch in diesem Beispiel liegen alle betonten Silben auf Grundzählzeiten oder Und-Schlägen. Aber durch die Pausen auf den Grundschlägen 1 und 2 entsteht ein spannender Rhythmus, der zum Hinhören einlädt.

Zu guter Letzt noch eine wichtige Info zu Reimen: Wenn ihr auf eine Zeile reimt, achtet darauf, dass die beiden sich reimenden Wörter die gleiche Position im Takt haben.

So nimmt euer Hörer die Reime deutlicher wahr und der Text klingt “runder”. Wenn das aus irgendeinem Grund nicht funktioniert, versucht, eure Reime zumindest an die gleiche Position bezogen auf eine beliebige Zählzeit zu setzen.

Das Thema Reime behandeln wir im nächsten Blog noch einmal ausführlicher. Wie findet ihr die richtigen Reime und Reimschemata. Ein sehr kreatives Thema, mit dem es sich lohnt, ausführlicher zu beschäftigen.

Übung: Schreibt 4 Zeilen eigenen Text über ein Kind, dass zum ersten Mal Silvester erlebt und die bunten Raketen beobachtet. Beispielsweise aus der Perspektive des Vaters könnte das gut funktionieren. Achtet beim Schreiben darauf, dass ihr die Wörter natürlich im Takt positioniert und Pausen bewusst einsetzt.

Die entstandenen Texte könnt ihr mir gern einmal an paul.marx.media@gmail.com schicken, ich schau gern mal drüber.

Wir wünschen euch viel Erfolg beim Texten und bis zum nächsten Mal!
Bis dahin – Übung macht den Writer!

Nachtrag vom 18.01.: Aufgrund einiger Nachfragen aus dem Rap-Genre haben wir ein Bonusvideo zur Anwendung der X-Dot-Methode im Double-, Triple- und Quattrotime gedreht. Viel Spaß damit!

Die wichtigsten Infos zu diesen Techniken haben wir euch in dieser PDF zusammengefasst.

Den Song kannst du hier kostenlos downloaden.